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May 15, 2023

Les scènes finales sont époustouflantes: Don Giovanni de Glyndebourne revu

Richard Bratby Glyndebourne Festival Opera, en représentation jusqu'au 15

Richard Braby

Glyndebourne Festival Opera, en représentation jusqu'au 15 juillet

Garsington Opera, en représentation jusqu'au 22 juillet

Faut-il rire à la fin de Don Giovanni ? Le public le fait souvent, et il l'a fait à la fin de la nouvelle production de Mariame Clément à Glyndebourne. C'est généralement le moment où le fiancé de Donna Anna, Don Ottavio, suggère qu'ils se marient brusquement, et elle lui demande immédiatement un délai d'un an. Les lecteurs de Middlemarch sauront que le deuil formel d'un an après la mort d'un parent proche était une convention pré-moderne courante, et les écrits de Mozart suggèrent qu'il (sinon son librettiste) ne remettait en question ni le caractère sacré du mariage ni la réalité de l'Enfer. Cela ne dérange pas beaucoup de réalisateurs modernes, cependant, et s'ils ont présenté Anna comme une patronne kickass et Ottavio comme un milksop collant (pas si difficile, pour être juste), cela obtient généralement un éclat de rire fiable.

Ce n'était pas le cas ici, exactement. Certes, il y avait de quoi rire - l'engagement tardif d'Elvira dans une vie de prière est un autre déclencheur de la gaieté contemporaine, renforcée dans ce cas par le fait que nous venons de la voir tenter de sucer Leporello. Mais cela ne ressemblait pas à un rire à une punchline; plus comme la véritable libération de tension que da Ponte avait vraisemblablement voulue, et que Mozart a écrite dans les croches brillantes, à la limite de l'hystérie, qui introduisent l'ensemble final. Dans la mise en scène de Clément, il y avait vraiment un choc contre lequel réagir. Le destin de Giovanni était aussi surprenant et aussi spectaculaire visuellement que n'importe quel public du XVIIIe siècle aurait pu le souhaiter. Pas de trucage post-moderne ici: vous ne doutez plus du tout que des puissances supérieures sont en jeu et que le Don (Andrey Zhilikhovsky) est fondamentalement grillé.

Le destin de Giovanni était aussi surprenant et aussi spectaculaire visuellement que n'importe quel public du XVIIIe siècle aurait pu le souhaiter.

Ottavio d'Oleksiy Palchykov, quant à lui, n'était pas un petit ami de sitcom mais une figure d'intégrité et de poids, quelle que soit l'inefficacité de sa campagne contre Giovanni. Le ténor de Palchykov est soigné plutôt que sensuel, mais il a façonné ses lignes avec un tel aplomb et une telle sincérité que vous pourriez comprendre pourquoi Leporello (Mikhail Timoshenko) écoutait avec tous les signes d'admiration : l'alternative à Giovanni n'avait pas l'air mal du tout. Ce Leporello est déjà à moitié amoureux de son maître – un acolyte perspicace et plus que d'habitude ambigu qui, avec son costume marron, ses lunettes et sa moustache (le cadre était un hôtel de villégiature moderne, infesté d'enterrements de vie de garçon et de jeune fille), ressemblait à un employé de bureau dans une comédie italienne de la nouvelle vague. Son arc de personnage, cette fois, n'est pas ce à quoi vous pourriez vous attendre.

Clément rend Giovanni convaincant sans le glamouriser (ou du moins, le glamouriser plus que ne l'exigent Mozart, da Ponte et nos propres instincts les plus bas). Il y a un frisson froid et dur sur les bords du baryton fringant de Zhilikhovsky qui contraste de manière révélatrice avec le chant plus simple mais plus chaud de Timoshenko, et souligne le cynisme de ses rencontres avec Anna et Elvira (Venera Gimadieva et Ruzan Mantashyan, qui ont toutes deux réussi à projeter de la douceur également comme l'acier) et même Zerlina, la fêtarde de Victoria Randem. La caractérisation a contribué à porter le drame sur les patchs (perceptibles dans l'acte deux) où la direction de Clément semblait bégayer. Mais au banquet final - avec Giovanni étendu dans sa veste sur un gâteau à la crème gargantuesque et moisi (fair-play pour le département des accessoires; c'était suffisant pour vous mettre tout de suite hors de votre Nyetimber) - tout s'est mis en place au rythme et encore une fois, ces derniers les scènes étaient un coup de grâce.

Soyez également à l'écoute du chef d'orchestre Evan Rogister, qui s'y est pris avec une verve formidable et a fait jouer l'Orchestre du Siècle des Lumières avec une virtuosité téméraire et téméraire que (sans doute injustement) je n'attendais pas vraiment d'eux. Les cuivres ont rugi, les percussions ont tonné et dans les scènes culminantes, tout a bouilli et a inondé l'auditorium d'harmonies et de couleurs de l'obscurité et de la puissance wagnériennes. L'opéra classique tardif convient parfaitement aux instruments d'époque. L'OAE était en feu à Glyndebourne et à Garsington, l'English Concert (un orchestre dont le propre directeur musical a un jour démissionné par pur ennui) pétillait comme un Aperol spritz. Douglas Boyd (un maestro sérieusement sous-estimé) a sculpté, et l'opéra était Il barbiere di Siviglia de Rossini.

Pas de trucs délicats ici non plus. La production de Christopher Luscombe se déroule dans un paysage urbain italien des années 1920 (le designer est Simon Higlett) qui s'articule pour révéler l'intérieur déco étincelant de la luxueuse maison de ville de Bartolo. Cue halète de joie: pendant ce temps, Figaro (Johannes Kammler) fait du vélo, Almaviva (Andrew Stenson) est une jeune chose brillante et Rosina (Katie Bray) est une starlette minxy loin d'être silencieuse avec une vague de Marcel. Ce spectacle pourrait aller loin sur le charme seul, mais ce n'est pas nécessaire, car sans distinguer aucun membre de la distribution (OK: Callum Thorpe en tant que Basilio dégageait un coup de pied vocal à double expresso sans commune mesure avec l'ampleur de son rôle) le chant était toujours ensoleillé et souple, et Boyd et son groupe l'ont assorti pour la grâce, la couleur et l'esprit. Ça avait l'air bien, ça sonnait délicieux et le public a ri avant même d'avoir fait son pique-nique. C'est le divertissement.

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