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Aug 09, 2023

L'artiste Sanford Biggers discute de sa divinité sur le nouveau toit d'OCMA.

S'élevant du toit de l'Orange County Museum of Art est un immense chatoyant

S'élevant du toit du musée d'art du comté d'Orange se dresse une chimère scintillante massive, un nu masculin allongé dont le visage est un masque africain. Le corps est réalisé dans le style de la sculpture classique, inspiré d'une pose populaire montrant Zeus portant une corne d'abondance. La tête du personnage s'inspire de l'esthétique très stylisée de la culture baoulé de Côte d'Ivoire — en l'occurrence, un masque à double face, symbole de la dualité.

Si cette sculpture de l'artiste Sanford Biggers ressemble un peu à une illusion, c'est parce qu'elle l'est. Vu de loin, les contours de son corps indiquent la profondeur, mais l'œuvre est en réalité plate - une pièce d'aluminium soutenue par un échafaudage. Sur sa face avant, Biggers rend cette divinité dans différents tons de paillettes flottantes fabriquées en acier inoxydable ; de l'autre, où apparaissent les supports de l'échafaudage, il a peint un motif d'octogones noirs et blancs emprunté à une courtepointe d'époque.

"De nombreuses eaux...", comme la pièce est intitulée, rassemble plusieurs fils importants dans le travail de Biggers. Il y a sa série "Shimmer", qui rend les silhouettes ou les ombres des personnages dans des matériaux réfléchissants tels que les paillettes et les paillettes - des représentations qui transforment le nébuleux en présence puissante. Dans la série "Codex", il utilise des courtepointes vintage comme toiles pour des peintures ou les utilise pour créer des formes géométriques et sculpturales - des œuvres qui ressemblent à des portails. Et il y a la série "Chimera", avec des personnages de style occidental, généralement rendus en marbre ou en bronze, avec leurs visages masqués par des masques africains.

Ces pièces se sont matérialisées dans une myriade d'endroits, comme le font les visions.

L'année dernière, une de ses sculptures chimères a été réalisée à l'échelle industrielle au Rockefeller Center de New York. Cela a été suivi d'une exposition passionnante de ses œuvres de courtepointe, intitulée "Codeswitch", au California African American Museum. En plus de la sculpture sur le toit de l'OCMA - qui restera visible jusqu'à l'été prochain - certaines des œuvres matelassées de Biggers seront exposées au Skirball Cultural Center le mois prochain dans le cadre de l'exposition collective "Fabric of a Nation: American Quilt Stories ."

Bien que l'artiste vive à New York, il est né et a grandi à Los Angeles – et était récemment en ville pour superviser l'installation de son travail dans le nouveau bâtiment d'OCMA à Costa Mesa. Dans cette conversation (qui a été condensée et modifiée pour plus de clarté), Biggers explique pourquoi sa nouvelle chimère enfile des paillettes, son concert parallèle en tant que musicien expérimental et qu'une fois il a dîné avec Prince sur Olvera Street.

La série "Chimera" présente ces hybrides complexes de personnages européens de l'histoire de l'art portant des masques africains. Ce modernisme révèle-t-il ses racines ? L'appropriation culturelle européenne mise à nu ?

C'est tout ce qui précède. Il s'agit de la mascarade - la personne qui porte le masque peut agir selon sa vraie nature. Parfois, le masque est de cacher leur vraie nature. Le masque porte-t-il la personne ? Ou est-ce la personne qui porte le masque ? Est-ce symbiotique ou parasitaire ? Je pense aux coupes transversales de l'histoire. Nous avons tous bénéficié d'une certaine cohabitation et d'un mélange, mais c'est problématique et semé d'embûches.

J'ai mentionné certains d'entre eux comme des objets pour de futures ethnographies. J'imagine que les gens font des recherches sur notre époque dans l'histoire et trouvent ces objets et essaient de comprendre ce qu'est le récit.

Qu'est-ce qui détermine les matériaux pour ce travail? Pourquoi les paillettes ?

J'ai des thèmes de signature et au cours des dernières années, ce sont les sculptures de chimères et les courtepointes. Je voulais profiter de cette occasion pour réfléchir aux deux ensemble. Comment puis-je faire un travail de courtepointe qui peut être à l'extérieur et me permettre de jouer avec l'échelle à un niveau différent ? Vers 2016 ou 2017, j'ai commencé à faire des choses avec des paillettes sur certains quilts. Je créerais le contour du corps à l'aide de paillettes. Mais ceux-ci ne pouvaient pas sortir. C'était donc une façon d'expérimenter cela.

Les paillettes sont aussi généralement associées à l'artisanat féminin.

Il y a des manières politiques d'en parler, mais il y a aussi une passion générale pour les matériaux. Je me suis toujours intéressé à l'objet qui n'était pas l'objet exalté. Je passais beaucoup de temps avec ma mère dans divers magasins de tissus. Quand j'étais à l'université, j'étais dans un programme de peinture, mais tout mon travail était le son, l'installation et la sculpture. J'ai travaillé avec des artistes de la fibre - ce qui était souvent méprisé en raison de son association avec l'artisanat. J'ai grandi en tant que graffeur à Los Angeles - c'est comme ça que j'ai commencé à faire de l'art - donc, pour moi...

Vous étiez un graffeur ? Quelle était votre balise ?

J'étais Midas. J'étais partout dans le parc Pan Pacific !

Donc, j'ai toujours été attiré par des œuvres qui étaient en dehors de l'art contemporain. Je n'ai pas vraiment adhéré à la notion d'art par rapport à l'artisanat. J'ai toujours pensé que le meilleur art avait un peu des deux.

Divertissement et arts

Cela a pris 35 ans, mais le musée d'art du comté d'Orange a une nouvelle maison.

Le motif - et joue sur le motif - émerge continuellement comme une facette de votre travail. Qu'est-ce que le motif vous permet de communiquer qu'un dessin littéral ne pourrait pas ?

Rythme. Rythme visuel. Cadence. Il y a une fréquence que je pense que les modèles peuvent créer. Lorsque vous perturbez un motif, il est presque choquant pour les yeux. Quelque chose dans ce phénomène me fascine. L'une de mes influences était [le peintre] John Biggers - c'était un cousin. Ses recherches en peinture ont commencé à se développer lorsqu'il est allé au Ghana en 1957 et a commencé à regarder les textiles et à les traduire dans ses peintures du Sud rural et des cabanes à fusils. Conceptuellement, je me vois comme maintenant cette tradition, mais en trouvant mes propres matériaux et voix.

J'ai lu que vos pièces de courtepointe étaient inspirées, en partie, par l'idée que les courtepointes pouvaient avoir servi de marqueurs directionnels sur le chemin de fer clandestin à l'époque de l'esclavage. Qu'est-ce qui vous a intrigué dans cette idée ?

C'était vraiment un moment intense pour le codage au début - le codage informatique. Ainsi, lorsque j'ai commencé à faire des recherches sur les quilts, j'étais intéressé par les conversations sur le code. Et si je prenais un code et imposais un code différent par dessus ? Il y a des tensions là-bas. Je pensais aussi au mythe. Toutes ces œuvres d'art dont nous parlons maintenant, faisant référence aux dieux fluviaux et à l'histoire romaine, vous parlez de mythe. Je m'intéressais aux mythes du chemin de fer clandestin. Les artistes sont des créateurs de mythes. À travers ces mythes, vous trouvez la vérité.

Divertissement et arts

Une courtepointe devient une peinture au California African American Museum dans le parc d'exposition de Los Angeles.

Comment abordez-vous les quilts eux-mêmes ? Y a-t-il des modèles que vous recherchez?

Parfois, je n'ai pas le choix. Je viens au studio et quelqu'un laisse une boîte de couettes parce que c'est ce que je fais. Alors je permets à ces couettes de me dire quoi faire. C'est dans l'histoire des quilts patchwork : vous prenez ce que vous avez, vous ne le jetez pas. Vous trouvez un moyen de le faire fonctionner.

Vous avez intégré un code QR dans l'un de vos quilts qui envoie les spectateurs vers des vidéos de Moon Medicin, votre ensemble musical. Qui est dans le groupe et à quoi jouez-vous ces jours-ci ?

Nous venons de jouer la semaine dernière à Detroit. Nous venons de sortir un LP avec Third Man Records de Jack White. La pochette a été réalisée par le photographe-artiste Awol Erizku. Martin Luther [McCoy] est guitare solo et chant. Il fait partie du San Francisco Jazz [Collectif]. Jahi Sundance est tourne-disque. Notre bassiste est André Cymone qui faisait partie du groupe original de Prince. Mark Hines, il s'occupe de toute la technologie. Je suis claviers. [Le LP] vient littéralement d'être emballé la semaine dernière. Ça s'appelle "La grande évasion".

On appellerait ça de l'art rock, influencé par les Talking Heads, Kraftwerk, Sun Ra. C'est du rock, de la fusion, de la soul, du jazz. Vous vous sentez vraiment hip-hop là-dedans, mais personne ne rappe. Nous avons des capes - des capes matelassées. Dans le passé, nous avions des combinaisons blanches personnalisées qui étaient peintes à la bombe. Nous portons aussi des masques. De retour dans l'un des premiers concerts de New York, nous portions des pantalons en cuir, pas de chemises, de l'huile corporelle et des paillettes.

Divertissement et arts

Le gala de samedi du musée d'art du comté d'Orange a marqué le début du nouveau bâtiment de 94 millions de dollars de l'institution, qui ouvrira au public le 8 octobre.

Quels sont les artistes de LA qui vous ont formé ?

Samella Lewis, Charles White et Varnette Honeywood, qui est un mentor très important pour moi. Elle et moi nous sommes rencontrés quand j'étais à Los Angeles et je me considérais comme un artiste mais je ne savais pas quoi faire. Elle m'a pris sous son aile et m'a mis dans quelques spectacles.

Mes parents étaient des collectionneurs d'estampes et nous voyions régulièrement des expositions ici [au Los Angeles County Museum of Art]. Le spectacle King Tut, je l'ai vu ici. À chaque camp d'été, nous venions voir des spectacles ici. Nous allions aussi aux fosses à goudron.

Il semble que chaque enfant de Los Angeles soit façonné par les Tar Pits et Olvera Street.

J'ai rencontré Prince à Olvera Street.

Comment est-ce arrivé?

Mon père était neurochirurgien et son comptable était aussi le comptable de Prince. J'avais un de ses 45 tours et j'étais accro : "Soft and Wet". Le comptable savait que j'aimais Prince et quand Prince lui rendait visite, il lui apportait de la musique. Le comptable n'était pas dedans, alors il donnait à mon père, et mon père me le donnait. J'en ai encore la plupart.

D'une manière ou d'une autre, cela a été arrangé par le comptable et un ami de la famille, qui a dit, Prince va être avec son peuple à ce dîner et nous aimerions vous inviter. Je me suis juste assis à table et j'ai regardé Prince tout le temps. Et quand il me regardait, je détournais le regard. [Des rires.]

Quand tu es de retour à Los Angeles, quelles sont les choses que tu ne peux absolument pas manquer ?

J'aime aller dans ce jardin interconfessionnel au large de Sunset - le [Self-Realization Fellowship] Lake Shrine. C'est beau et paisible et méditatif et près de la plage. J'avais l'habitude d'y emmener ma mère quand sa maladie d'Alzheimer a commencé. Elle aimait les fleurs.

Aussi, El Compadre. J'aime ça. C'est ma place. Je l'associe à une course vers Sam Ash. Je reçois un combo de tacos durs et de temps en temps, le cocktail de crevettes. Et, bien sûr, les margaritas flamboyantes.

Sanford Biggers : De nombreuses eaux...

Où : Orange County Museum of Art, 3333 Avenue of the Arts, Costa MesaQuand : jusqu'au 13 août 2023Entrée : gratuiteInfo : ocma.art